연극의 기원과 역사는 무엇인가?

고대부터 오늘날까지 세계 각지의 연극의 기원과 역사를 설명합니다.


고대 그리스인들은 연극을 예술 형식으로 처음으로 생각했습니다.

연극의 기원과 역사는 무엇인가?

문학 ( 극 )과 공연예술 (연극적 표현) 이 결합된 예술 장르인 연극은 인류 의 가장 오래된 예술적 표현 형태 중 하나입니다 .

일반적으로 그 기원은 고대 서부 고대로 거슬러 올라가지만 , 사실 거의 모든 고대 문화에는 일종의 연극 이나 매우 유사한 광경이 있었고 이를 통해 젊은이들을 교육하고 신 에게 기도하거나 건국 신화를 기억했습니다 .

그러나 연극을 그 자체로 예술 형식, 즉 ‘극 예술’로 이해한 최초의 사람은 기원전 6~4세기의 고대 그리스인이었습니다. 씨.

고대 그리스인들은 바카날리아(bacchanalia)로 알려진 포도주와 다산의 신인 디오니소스를 기리기 위해 특정 종교 의식을 거행했습니다. 이러한 의식 에서는 춤 과 황홀경 상태가 정상적이었지만 건국 신화에 대한 특정 서사 및 무대화이기도 했으며, 후자는 연극을 탄생시켰습니다 .

참조: 드라마 장르

연극의 그리스 기원

기원전 6세기에 시작되었습니다. C. 의식에 중요한 수정 사항을 도입한 테스피스(Thespis)라고 불리는 디오니소스(Dionysus)의 사제에게 감사드립니다 . 그는 각 축제 기간 동안 합창단과 대화를 나눴습니다.

따라서 Thespis는 최초의 연극 배우가되었습니다. 실제로 기원전 3세기의 연대기에 따르면. C. 기원전 534년에 아테네에서 열린 그리스 최초의 연극 대회에서 우승한 사람은 테스피스 자신이었습니다. 씨.

그 이후로 연극 대회는 디오니소스를 기리는 축제에서 매우 보편화되었으며 , 이 축제는 4일 동안 지속되었으며 디오니소스 동상 주변에 오케스트라, 청중 및 무대를 위한 구분이 있는 목조 구조물을 사용했습니다.

기원전 5~4세기 내내. C. 그리스 연극은 번성했고 종교 예배 로부터 독립했습니다 . 그러나 그것은 그리스 사회가 젊은이들에게 종교 , 신화 , 고전적인 시민 가치 를 교육하는 메커니즘으로 계속 사용되었습니다 .

그 당시 그리스의 세 명의 위대한 극작가가 등장했습니다. 아이스킬로스(기원전 525~456년), 소포클레스(기원전 496~406년), 에우리피데스(기원전 484~406년)는 위대한 그리스 신화를 다루는 광범위한 비극적 이야기를 쓴 작가들입니다. . 그들과 함께 아리스토파네스(기원전 444~385년) 등 그리스의 위대한 희극인들이 번성했다.

연극은 그리스 문화와 매우 관련이 깊기 때문에 철학자 아리스토텔레스(기원전 384-322년)는 연극에서 영감을 받아 인류 역사상 연극 예술에 관한 최초의 논문인 기원전 335년의 시학(The Poetics of 335 BC)을 썼습니다 . 씨.

마찬가지로, 이는 당시 지중해 지역에서 매우 중요했기 때문에 로마 문화는 이를 모델로 삼아 기원전 2세기에서 3세기 사이에 자체 극장을 발전시켰습니다. C. 이것은 플라우투스(기원전 254-184년)와 테렌스(기원전 185-159년)와 같은 유명한 작가들이 등장한 방식이며, 그들의 작품은 로마 문화에서 훨씬 더 큰 행사인 신들에게 경의를 표하는 로마 게임의 일부였습니다.

로마인들은 또한 그리스 극작의 유산을 자신들의 문화에 통합하여 훨씬 후대의 독자들을 위해 라틴어로 보존했습니다.

비서구 연극의 기원

고대에는 세계 동부, 특히 인도의 고대 문화에도 풍부한 연극 전통이 있었습니다. 인도 연극은 종교적이고 의식적인 춤에서 탄생했습니다 .

이 극장은 기원전 4~2세기경 정식 스튜디오를 확보했습니다. C., 춤, 노래, 연극에 관한 고대 힌두 논문인 Natia-shastra 에 기록된 내용으로 판단하면 음악학자 Bharata Muni(날짜 불확실)가 저술한 것으로 추정됩니다. 본 작품에서는 특히 산스크리트 문학의 정점이라 할 수 있는 인도 고전극을 연구하고 있다.

이러한 유형의 드라마 에는 신의 기원에 관한 신화적이고 종교적인 이야기 속에서 영웅( 나야카 ), 여주인공( 나이카 ), 광대( 비두사카 ) 등 매우 진부한 인물들이 등장한다. 공연은 대부분 의상과 분장을 한 배우들의 춤과 대화로 이루어졌지만 무대나 세트는 없었다.

인도 연극은 오랫동안 거의 중단이나 변화 없이 공연되었으며, 서기 3세기에서 5세기 사이에 전성기를 누렸습니다. 씨. _ 이 전통의 위대한 극작가 중 두 명은 수드라카(서기 3세기)와 위대한 사랑극의 후자 작가인 칼리다사(서기 4~5세기)였습니다.

또 다른 중요한 비서구 전통인 중국 연극은 기원전 6세기경에 유래되었습니다. 다. 장르를 정하지 않은 채 주로 춤, 곡예, 마임, 의례행위로 구성되었다.

모두 남성인 배우들은 남성적( sheng ), 여성적( tan ), 코믹한( chou ) 또는 전사( ching ) 등 다양한 유형의 고정관념적인 역할을 연기할 수 있습니다. 많은 경우 마스크와 메이크업이 사용되었습니다.

중국 전통은 일본과 다른 동남아시아 국가에서 유사한 버전에 영감을 주었으며, 이는 이후 세기에 번성했으며 실제로 19세기까지 서양에는 알려지지 않았습니다.

전례극과 중세 연극


중세 말에는 칼데론 데 라 바르카(Calderón de la Barca)와 같은 바로크 작가들이 등장했습니다.
로마 제국이 멸망한 후 서구의 연극은 이전의 대중적, 종교적 관련성을 잃었습니다. 이는 기독교가 유럽의 이교도 유산 을 거부 하고 자신을 구별하고 전통과 거리를 두기 위해 가능한 모든 노력을 기울였기 때문입니다. 그러나 10세기에 이르러 기독교 전례와 부활절 축하 행사는 기독교 문화의 중심 행사가 되었고, 화려하고 화려한 행사로 거행되었습니다.

따라서 중세 시대 에는 막달라 마리아가 예수 그리스도의 무덤을 방문하는 것과 같은 기독교 신화의 가장 중요한 장면을 재현하는 전례 극장이 등장했습니다 . 이로써 후기 기독교 극작법의 풍부한 전통이 탄생했습니다.

11세기와 12세기에 이르러 많은 프랑스 수도원은 성전 밖의 단에서 성경 이야기를 상연하기 시작했고, 라틴 숭배를 버리고 사람들에게 더 가까운 모국어를 사용하기 시작했습니다. 창세기나 묵시록의 연출이나 성 아폴로니아나 성 도로테아와 같은 성자들의 고통스러운 삶을 그리는 것이 흔했습니다.

이러한 연극 공연이 복잡해지면서 전례와 교회 이야기를 전국 각지로 전달하기 위해 수레나 이동식 무대에서 공연되기 시작했습니다. 이것은 스페인에서 특히 인기가 있었고 Autos sacramentales , 즉 성찬 드라마라는 이름으로 알려지게 되었습니다 .

비슷한 행사가 당시 영국에서, 특히 성체축일 기간 동안 열렸 으며, 16세기까지 유럽 전역에서 흔히 볼 수 있는 대중적인 연극 형태가 되었습니다.

그때부터 그를 비방하는 사람들이 등장했습니다. 그의 표현에서 유머와 대담한 지배력을 비난한 프로테스탄트 청교도들, 그리고 그의 경박함 과 그들이 제거하려고 노력했던 특정 중세 전통과의 연관성을 눈살을 찌푸리는 르네상스 인본주의자들 이었습니다.

결과적으로 이러한 작품 중 다수는 파리와 개신교 유럽 국가에서 금지되었지만 주로 스페인을 중심으로 한 반종교개혁 유럽에서는 번성했습니다. Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) 및 Calderón de la Barca (1600-1681)와 같은 스페인 바로크 의 위대한 작가들은 성사 행위의 가장 위대한 작가 중 하나로 간주됩니다.

일본 연극의 번영


일본 연극은 가면을 쓸 수 있는 남자 배우들이 공연했다.
한편, 14세기 일본에서는 공연문화가 구체화되고 있었다 . 일본 연극은 중국과 다른 아시아 국가에서 자체적으로 복제된 신토 무용과 불교 의식을 계승하면서 가장 중요한 단계를 밟았습니다.

그때부터 세 가지 주요 트렌드가 첫 걸음을 내디뎠습니다.

  • 노와 교겐 의 세련된 서정극 .
  • 분라쿠 문학인형극장 .
  • 나중에 부르주아 계급의 극적인 광경인 가부키 극장 .

노 극장은 1374년경 쇼군 요시미츠의 지도 아래 교토에서 등장하여 일본 봉건 영주들의 연극 후원이라는 중요한 전통을 시작했습니다.

항상 작은 합창단과 함께 남자 배우들이 무한한 우아함과 세련미로 연주하는 이 스타일의 작품 대부분은 이후 수십 년 동안 모토키요 카나미, 그의 아들 제아미 모토키요, 그리고 나중에는 그의 사위인 젠치쿠가 작곡했습니다. 15세기 이후 노(能) 연극을 위한 새로운 희곡은 거의 쓰여지지 않았습니다.

그런 까닭에 16세기에 이르러 일본 연극계는 어느 정도 쇠퇴하는 모습을 보였다. 여기에 신도 여사제 오쿠니(O-Kuni)의 발표가 교토의 대중들 사이에 동요를 일으킨 이후 1629년에 여성이 출연하는 모든 연극이 금지되었다는 조항을 추가해야 합니다.

그렇기 때문에 17세기 초 당시의 새로운 부르주아적 감성을 반영하면서 공백을 메우기 위해 새로운 일본 극장이 등장한 것입니다. 호화로운 세트와 매우 정교한 의상을 사용한 성공적인 카페 극장인 가부키 의 작품은 문학 전통과 인형극에서 유래했습니다.

르네상스 연극과 예술희극


오페라는 17세기 이탈리아에서 등장해 유럽 전역으로 퍼졌다.
다른 많은 예술 과 지식 과 마찬가지로 유럽 르네상스는 연극과 극작술의 전후를 표시했습니다. 자연스러움을 얻은 작품들은 종교적 의무를 버리고 아리스토텔레스의 이론적 유산은 물론 고대 신화와 고전적 상징을 구조해냈습니다.

새로운 지배 사회 계급으로서의 부르주아지 의 승리는 연극적 감성의 변화를 결정했고 스페인 바로크 연극과 영국 엘리자베스 시대 연극과 같은 새로운 장르와 스타일의 탄생이 곧 목격되었습니다. 드 세르반테스와 윌리엄 셰익스피어.

그러나 새로운 형태의 연극 중 가장 중요한 것은 이탈리아의 코메디아 델 아르테(Commedia del Arte)로 , 1545년경에 대중적인 거리 연극의 한 형태로 등장했지만 전문 배우들이 공연했습니다. 많은 연극단은 순회하며 마을에서 마을로 이동하고 즉석 무대를 설치했습니다.

그곳에서 그들은 실제 코미디 작품 , 즉흥 연극, 그리고 항상 같은 가면을 쓰고 있었기 때문에 캐릭터를 쉽고 빠르게 알아볼 수 있는 자신의 작품을 공연했습니다. 예를 들어 Pantalone은 농담과 속임수를 사용하는 거만하고 성격이 나쁜 노인이었고 Arlecchino 는 농담하고 대담한 하인이었고 Pulcinelli는 배불뚝이에 구타 전문가였습니다.

그때부터 극작법을 점점 더 중요하게 여기는 유럽에서는 새로운 형태의 연극 공연이 인기를 끌기 시작했습니다. 비극 코미디는 코미디 와 비극 사이의 일종의 중간 연결고리인 인기 장르가 되었습니다 . 17세기에는 오페라도 등장해 이른바 ‘이탈리아식 연극 제작’이 유럽 전역으로 퍼졌다.

같은 맥락에서 프랑스 연극은 위대한 비극작가인 피에르 코르네유(1606-1684), 장 라신(1639-1699), 특히 몰리에르로 더 잘 알려진 장 바티스트 포클랭(Jean-Baptiste Poquelin)을 중심으로 중요한 붐을 이루었습니다 . (1622-1673), 희극, 희극, 비극 희극 및 가장 유명한 프랑스어 작품의 배우이자 작가.

근대성의 입구

서양 연극 전통의 다음 큰 변화는 독일 낭만주의 , 특히 18세기 후반의 Sturm und Drang 과 함께 찾아왔습니다.

다른 예술과 마찬가지로 연극 낭만주의는 프랑스 계몽주의 와 함께 등장한 합리주의에 맞서 감상주의와 드라마를 강조했습니다 . 그는 어둡고 신비한 주제, 특히 대중 문화와 민속에서 나오는 주제를 선호했습니다.

19세기 초반 볼프강 폰 괴테(1749~1832), 프리드리히 쉴러(1759~1805) 등 작가들이 파우스트나 윌리엄 텔 등 대극작을 남긴 뒤 남긴 유산은 새로운 작품 탄생의 계기가 됐다. 장르: 등장인물의 감정을 강조하기 위해 음악을 포함시킨 멜로드라마 .

유럽의 민족주의 와 함께 이 새로운 스타일은 거의 모든 국가에 퍼져 Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla 등과 같은 유명한 작품과 작가를 배출했습니다.

그러나 현대 연극의 탄생 자체 는 낭만주의에 대한 합리주의의 승리인 사실주의 연극의 탄생과 함께 19세기에 들어섰습니다 . 사실주의는 자연주의 연극의 필요성을 강조했습니다. 즉, 실제 연극과 유사한 세트, 신뢰할 수 있는 공연, 거창한 표현이나 몸짓을 제거한 것입니다.

역시 사실주의는 계몽주의의 발상지인 프랑스에서 탄생했습니다 . 그러나 이 작품은 스웨덴의 August Strindberg(1849-1912), 노르웨이의 Henrik Ibsen(1828-1906)과 같은 북유럽 작가들의 펜이나 심지어 저명한 러시아 단편 작가 Anton Chekhov(1860-1860-1906)의 펜에서 표현의 정점에 도달했습니다. 1904).

20세기와 현대


현대 연극에서는 연극 연출가의 역할이 두드러졌습니다.
격동의 20세기가 도래하면서 아방가르드는 유럽과 미국에 수많은 연극 학교를 탄생시킨 형식적, 미학적 혁신 의 끊임없는 원천이 되었습니다 .

일반적으로 아방가르드는 그들의 캐릭터에서 더 큰 강렬함과 심리적 깊이를 추구했으며 , 세 가지 고전적인 아리스토텔레스적 통일성을 버리고 종종 비난과 정치적 전투성을 수용했습니다. 게다가 그들 덕분에 배우들보다 연극 연출가의 역할이 부각됐다. 영화감독에 버금가는 역할.

아방가르드 연극 운동은 너무 많아서 모두 나열할 수 없지만, 표현주의, 베르톨트 브레히트의 “서사극”, 실존주의 철학과 연결된 부조리의 연극, 그리고 안토닌 아르토, 외젠의 작품을 언급할 가치가 있다. 이오네스코와 사무엘 베케트.

또한 해럴드 핀터(Harold Pinter), 존 오스본(John Osbourne), 아놀드 웨스커(Arnold Wesker) 등 화난 청년 들의 비순응주의와 반부르주아적 정서가 두드러졌다. 당시의 다른 위대한 이름으로는 Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán 등이 있습니다.

1960년대 이후 현대연극은 서사극과 정치적 메시지에서 벗어나 관객의 감정과 다시 연결되기 위해 노력해 왔다 . 무대와 단절하고 연극을 거리로 가져가거나 대중을 무대에 통합시키거나 심지어 실생활에서 해프닝 이나 즉흥적인 상황 연극에 의지하는 연극적 측면도 많이 있습니다.

계속하기: 연극의 특징